Da Letteratitudine: Alfredo Casella, "Strawinski"

Stiamo assistendo a una sorta direnaissance di Casella: prima riscoperto come compositore, attraverso registrazioni di opere anche poco note e l’inserimento in cartellone (l’ultimo caso è “La donna serpente” riproposta dal Teatro Regio di Torino nella stagione 2015-16); poi, più recentemente, come infaticabile animatore culturale e scrittore di carattere. Abbiamo parlato qualche settimana fa della sua autobiografia “I segreti della giara” riproposta da Il Saggiatore; oggi ci dedicheremo a una ristampa altrettanto recente, lo “Strawinski” (sic) a cura di Benedetta Saglietti e Giangiorgio Satragni, con prefazione di Quirino Principe.
Che tra Igor Stravinskij e Casella fosse nata un’amicizia, sia pure non nutrita dalla frequentazione, è chiaro a chiunque legga “I segreti”; basterebbe ripercorrere il calendario delle esecuzioni con cui Casella ha ostinatamente e amorevolmente fatto conoscere al pubblico italiano sin dagli anni venti le opere del compositore russo (in particolare, ma non solo, il “Sacre” e “Les noces”, di ardua direzione per quei tempi) per rendersi conto della forte sintonia che l’italiano sentiva per le opere e il percorso stilistico e anche umano del compositore russo. Questa sintonia viene enfatizzata, anche a rischio di qualche forzatura, nel saggio su Stravinskij: questi è presentato come campione più autorevole di una modernità che parte dalle scuole nazionali, anzi in un certo modo le influenza, ma sa svincolarsene presto, e si emancipa da ogni debito nei confronti del passato ripercorrendolo liberamente alla ricerca di puri valori musicali; soprattutto, lo “Strawinski” secondo Casella è colui che sa coniugare la ricerca senza abbandonare la tonalità (a differenza di Schönberg, che da Casella è sempre stato studiato con grande interesse ma mai amato). 
Per indicare la complessità di questo indirizzo, Casella non esita a usare, accanto al termine “rivoluzionario” (impiegato in particolare per definire la natura delle opere del periodo “russo”), il termine “reazionario”, in un’accezione positiva, nel senso di “reazione” alle mode e alle convenienze del tempo, insomma di “classico”. “Il fondo del suo pensiero è rimasto fondamentalmente quello di un creatore obbiettivo e sopratutto quello di un costruttore”, si legge nella conclusione. Casella, lo si capisce quasi subito, nel leggere (e analizzare con un misto piacevolissimo di competenza tecnica e affabilità divulgativa) il percorso artistico di Stravinskij vi trova riflesso il proprio, e si sente pienamente rappresentato dalla poetica che ha animato le scelte estetiche del russo. E quando nel precisare il termine “classico” utilizzato per Stravinskij parla di “senso di festosità sempre associata però ad una composta severità” sentiamo che è sì alla ricerca di una definizione che vada bene per tutto ciò che da Vivaldi e Bach ha portato all’amico Igor, ma soprattutto per se stesso.
Certo, qualche differenza tra i due si avverte, quando Casella si sofferma su opere di cui si ammira il magistero ma non condivide fino in fondo i risultati. E qui ci si imbatte in qualche giudizio sorprendente. Per esempio, Casella preferisce “Le baiser de la fée”, che combina e orchestra musiche di Čajkovskij in un amalgama – a detta quasi unanime della critica – privo di veri sussulti, al precedente esperimento di “Pulcinella”, in cui, a suo dire, le musiche di Pergolesi e di certi suoi contemporanei sono troppo strapazzate dalla prepotente personalità di Stravinskij, e il risultato finale suona come un match, privo di reale fusione, di spirito costruttivo. Per avere un’idea di quello che intende Casella basterebbe ascoltare la sua “Scarlattiana” op. 44 del 1926, traslitterazione davvero rispettosa, in cui il compositore del Novecento è tutto inchini (altro che i knock-out imputati a Stravinskij!) nei confronti dell’illustre collega del Settecento. Analoghe riserve di brillante arbitrarietà sono rivolte a opere per le quali Casella non rinviene una necessità, come ”Apollon Musagète” (a causa soprattutto della strumentazione) o il “Concerto per pianoforte e fiati”. Da ogni accusa di eclettismo si salva, curiosamente, l’”Oedipus Rex”, in virtù della solennità dell’opera, e da ogni accusa di tiepidezza la “Perséphone”, opere che vengono poste da Casella accanto al vertice indiscusso del periodo di mezzo stravinskiano, la “Sinfonia dei Salmi”.
La prima stesura del libro di Casella risale al 1926, ed è stato il primo saggio dedicato a Stravinskij in Italia; è stata robustamente rielaborata e integrata nel 1946, quando l’autore era gravemente ammalato, l’anno successivo alla scrittura dello “Stravinskij” di un sodale e amico di Casella, Gian Francesco Malipiero (ripubblicato da Studio Tesi alla fine degli anni novanta, non più in commercio da un pezzo, ahimè) e ben prima dello “Strawinsky” di un suo brillante allievo, Roman Vlad; uscì all’indomani della morte del compositore italiano, che non fece perciò in tempo a conoscere le svolte successive del russo, gli estremi capolavori del neo-classicismo (termine che Casella detestava, ma pazienza, qui ci torna utile) e soprattutto quelli degli ultimi decenni, caratterizzati dalla svolta seriale e dall’acquisizione via via più estesa della dodecafonia. Chissà che cosa ne avrebbe detto, Casella, che guardava allo sperimentalismo atonale e alla dodecafonia un po’ come a malattie infantili del Novecento, alla stregua dell’impressionismo à la Debussy.

http://letteratitudine.blog.kataweb.it/2016/07/14/strawinski-di-alfredo-casella/

Da Letteratitudine: Rocchi, Bertelli, Niccolai, "I giorni del vino e delle rose"

“I giorni del vino e delle rose”, graphic novel appena pubblicata da Valigierosse, si presenta come un lieve un gioco di specchi che moltiplicano rimandi e suggestioni musicali, letterarie e visive. A dare il titolo al libro c’è un album dei Dream Syndicate del 1982 che si rifà a un film drammatico di Blake Edwards del 1962 con Jack Lemmon e Lee Remick (e le musiche di Henry Mancini, la cui canzone dal medesimo titolo si è meritata quell’anno l’Oscar ed è diventata uno standard jazz) il quale film si ispira a versi del poeta inglese Ernest Dowson (1867-1900), in particolare al celebre «They are not long, the days of wine and roses», a sua volta intriso di reminiscenze oraziane…

Ecco, il bel libro illustrato da Silvia Rocchi, scritto da Diego Bertelli e curato da Silvia Bellucci insegue questi legami, riallaccia questi rapporti: dapprima flirta con la memoria personale dei creatori, con la rievocazione delle sensazioni che l’album dei Dream Syndicate ha suscitato, gioca con la memoria, con le sottigliezze dell’amore; poi insegue la scoperta dell’importanza della musa malinconica di Dowson, e ascolta quest’ultimo discettare con amici nel suo salotto, lo osserva mentre dorme, pensa, beve, si tormenta, si consuma. Fedele al sottinteso sinestesico del titolo, mescola, senza forzare la mano, visione e tatto, olfatto e udito. Esplora i temi della memoria che riaffiora proprio quando la si credeva perduta, dello svanire del tutto, del precario conforto degli affetti, della bellezza, dell’amore sulla morte.

Le immagini (spesso sfocate, incompiute, ellittiche, galleggianti nel bianco della pagina, proprio là dove ci aspetteremmo maggiore nitidezza, come nei volti, qui invece lasciati sempre all’ombra, oscurati da pennellate grigie) e le parole (scritte tutte a mano, con una calligrafia volenterosa di quaderno d’altri tempi) si accompagnano alla mezz’ora di musiche composte appositamente da Gianni Niccolai, liberamente ascoltabili su soundcloud. Niccolai ha scritto un commento musicale che non diventa mai illustrativo, servendosi di un’elettronica anche in questo caso di asciuttezza ellittica: non tenta nemmeno di avvicinarsi mimeticamente alla fin de siècle di Dowson, parafrasando gli stili musicali dell’epoca, ma si muove tra reminiscenze elettroniche e qualche momento jazzistico. È musica che non si limita a fare da sfondo rassicurante, ma in un certo modo sfida il senso delle immagini e delle parole imponendosi come terzo elemento alla pari, anche a costo di provocare qualche attrito (ma gli attriti in arte sono sempre fecondi, soprattutto quando sono retti da un’intenzione vera): e nella sua ricerca di una autonomia pur nella sintonia non si spinge a insistite citazioni, al massimo rievoca un giro di basso da Steve Wynn e i Dream Syndicate, o ammicca lievemente a Henry Mancini nei momenti più jazzistici, ma questi momenti suonano come reminiscenze più che come vere e proprie citazioni.

Alla fine, un testo di Silvia Bellucci ripercorre le tappe della collaborazione tra gli artisti che hanno contribuito a creare l’album; e un’intervista di Riccardo Bargellini a Steve Wynn permette di rintracciare le vere fonti dell’album dei Dream Syndicate da cui tutto questo sofisticato e malinconico gioco di specchi è partito.

http://letteratitudine.blog.kataweb.it/2016/07/25/i-giorni-del-vino-e-delle-rose/

Da Diacritica n. 9: Ade Zeno, "L'angelo esposto"

Romanzo di cadute e vertigini, L’angelo esposto di Ade Zeno ci porta in una fiaba ambientata in uno Stato che pare la summa, nel bene e nel male, di tutti gli Stati del Novecento. Gli ingredienti (un funambolo in caduta libera, un fiume che tutto travolge, bambini in precario equilibrio sul nulla, burocrati e funzionari che invecchiano portandosi dietro segreti, una dolce moglie cieca e malata, rapaci in un sogno e angeli caduti che rimangono “esposti” sul terrazzo di casa, clownerie e giocolerie varie, morti misteriose) sono governati con abilità dall’autore, che crea isole di assorta contemplazione là dove l’accumulo di una materia così eterogenea rischierebbe di ingolfare.

Quello di L’angelo esposto è un mondo che invecchia, sempre più stanco, e fatica a reggere il peso dei segreti in cui ha sguazzato; ed è un mondo attratto dal vuoto, oscillante sul vuoto, pervaso da un sottile senso di morte, abitato da volatili neanche tanto nascostamente psicopompi, in cui, per quanto tu voglia diventare adulto, la meraviglia e l’angoscia sono sempre quelle di quando eri bambino, e la paura del buio non è mai stata vinta.

L’io narrante è proprio quel bambino che abbiamo incontrato nelle prime pagine; fattosi adulto, accanto a una moglie dolcemente malata, si porta dietro (noi con lui) il ricordo sopito di quel primo episodio in cui ha sfidato in grande funambolo Repulsky, lavora in un ministero dove ascolta registrazioni di telefonate, incappa un po’ alla volta nelle morti enigmatiche di vecchi conoscenti e colleghi del padre – ma è bene non dire altro, perché questo romanzo vive di sospensioni e attese, di sorprese e ricordi improvvisi, in una combinazione delicata, che basta un niente a contaminare.

Sembra, per queste vertigini, per il senso di modernariato, per le penombre, di trovarsi in un film di Franju, ma ingentilito da una persistente malinconia e privo di efferatezze (che so, Judex, così popolato di rimandi ai volatili e forzature della legge di gravità); o in quei sogni in cui si vola o si plana, o si compiono lunghi balzi senza sapere come si atterrerà.

http://diacritica.it/recensioni/recensione-ad-ade-zeno-langelo-esposto.html

Da Diacritica n. 9: Adrián Bravi, "L'inondazione"

Adrián N. Bravi racconta, con L’inondazione, gli ultimi anni di vita di un vecchio, Ilario Morales, che con la testardaggine dei vecchi decide di non abbandonare la casa durante un’alluvione, unico di tutto il villaggio di Río Sauce, e si adatta a vivere all’ultimo piano. Isolato, abbandonato, sì, ma non del tutto: con la barca, remando di buona lena, si può raggiungere il cimitero, dove riposano la moglie e la figlia, con le quali Morales ha un dialogo fitto e confidente; e il paese più a monte, dove stanno l’osteria, i negozi, l’ufficio postale in cui ogni mese va a ritirare la pensione. A un certo punto gli si affianca un cane, e dalle acque lutulente gli entra in casa un caimano. Può sempre capitare di incontrare gente in barca che viene a vedere i danni dell’alluvione sulla propria abitazione, o misteriosi orientali che, nella visione ossessiva di Morales, sono lì per speculare sui terreni e le case e acquistare tutto il paese a prezzi stracciati. Insomma, le occasioni di confronto sono tante, eppure Morales resta un solitario, più a suo agio nel silenzio delle giornate e delle notti, in cui i suoi pensieri assillanti possono alimentarsi e crescere.

L’alluvione ha smosso la topografia, ha ribaltato le certezze: e, se tutti gli altri preferiscono trovare rifugio altrove, in abitazioni ancora più alienanti di quelle semisommerse da cui sono fuggiti, Morales accetta la sfida e insegue percorsi familiari tra le vie allagate e i tratti di fiume, si reinventa una geografia, la abita con naturalezza, adatta le nuove abitudini alle vecchie. Diventato animale di fiume, al pari degli uccelli e dei caimani, non si raccapezzerà più quando le acque si ritireranno pian piano, riscoprendo i profili anneriti delle case, non ritroverà l’orientamento in un mondo che non gli sarà più familiare.

L’autore sa raccontare questa insolita e forse emblematica vicenda di solitudine con invidiabile senso della misura: il suo racconto è attento ai dettagli minimi, che in realtà sono i più importanti, ed è limpido (limpido, sì, nonostante la fangosità dell’acqua che ha invaso tutto), lieve, umoristico, anche commovente quando il declino del vecchio Morales si fa irreversibile al punto da convincerlo a ritirarsi, per così dire, dalla battaglia, in dignitoso esilio in una casa di cura.

http://diacritica.it/recensioni/recensione-a-adrian-n-bravi-linondazione.html

"Neve, cane, piede": aggiornamenti, 2

Su Valdichiana Oggi, Andrea Vignini firma un interessante recensione di Neve, cane, piede, in cui si legge tra l’atro:

« La sua ultima fatica letteraria è un romanzo breve ambientato nella solitudine inospitale delle montagne e incentrato sulla figura eremitica di un vecchio, Adelmo Farandola, ormai incamminato sulla strada senza ritorno della demenza senile. Accanto a lui c'è un cane sporco e malridotto che, paradossalmente, appare più incline alla parola del suo padrone, o forse è lui che, a causa dell'avanzare del male che gli obnubila la mente, se lo immagina così.

La loro esistenza, fatta di miseria e fatica quotidiane, procede sempre uguale a se stessa in quelle lande desolate fino a quando, al sopraggiungere del primo calore primaverile, non capita loro di imbattersi per puro caso nel piede di un cadavere sconosciuto che spunta da una valanga. Un simile espediente narrativo potrebbe autorizzare il lettore ad attendersi un racconto che da qui in avanti si dispieghi sulla linea del giallo classico o del noir, insomma una trama protesa a fare luce su qualche sanguinoso mistero. Invece no.

Il cadavere, come il cane e gli uccelli (cacciatore e prede), entra semplicemente a fare parte del niveo nitore dell'universo fisico e metafisico di Adelmo che intrattiene anche con esso il medesimo rapporto fatto di contatto reale e dialoghi immaginari, cosicché si può tranquillamente affermare che quel corpo morto (e ancor prima una sua specifica parte, il piede appunto) finisce per diventare un personaggio a pieno titolo, non più strano né meno credibile degli altri che popolano con i loro scarni movimenti e i loro dialoghi taglienti il libro di Morandini.»

Anche sul blog Tempoxme Giuditta Casale parla di Neve, cane, piede:

« Claudio Morandini scrive un racconto corposo, materiale, in cui il silenzio e i pensieri prendono consistenza materica, in cui le sensazioni diventano reali e tangibili.

Un romanzo introspettivo, in cui il senso del macabro si collega alla migliore tradizione gotica. Adelmo Farandola è un nuovo mostro di Frankenstein, che destinato (anche se per suo volere) alla solitudine, ne paga tutte le conseguenze più estreme: dalla durezza delle condizioni di sopravvivenza alla fame, fino a giungere alla perdita della memoria e alla pazzia. Quello che emerge dalla scrittura tersa e nitida di Morandini è un senso pieno della natura, nella miriade disparata dei suoi aspetti, in cui la ferocia e la dolcezza, la brutalità e l’umanità perdono i loro contorni, per mescolarsi in un medesimo orizzonte.»

Infine, Carlo Simoni scrive di Neve, cane, piede su Secondo orizzonte e sugli Appunti del sito di Nuova Libreria Rinascita.

« La montagna, il bosco, la neve: Rigoni Stern, pensi all’inizio. Ma vai avanti, e il vecchio ti richiama un Rosso Malpelo sopravvissuto alle fatiche, e perché non un’altra figura di Verga, il Mazzarò della Roba? Ma neanche qui puoi dire di averlo capito, Adelmo Farandola.

Perché è vero che è tutto concentrato su di sé e sulle sue cose, ma i soldi che aveva se li è dimenticati in banca e non sa neanche più di averli, e quei pochi che tiene nella sua baracca sperduta sono solo il mezzo che gli permette di far provviste le rare volte che scende fino al paese. Per poi scordarsi, quando è alla bottega, di che cosa ci fosse andato a fare. Ma anche l’eco di un altro vecchio smemorato isolato fra le montagne, il signor Geiser dell’Uomo nell’Olocene di Frisch, si spegne presto: Adelmo non possiede alcun immaginario enciclopedico cui aggrapparsi per non perdere la memoria.

Però c’è il cane, un randagio che gli si è affezionato, e gli parla, dando voce a quel che di umano è rimasto in lui, soprattutto quando dalla valanga spunta un piede. Un piede umano. E qui il racconto si tinge di giallo: di chi è quel piede? Per un po’ crediamo di aver capito dove vuol andare a parare questo racconto. E invece no. Non è neanche un giallo alpino, questo racconto (…).
Tra i tanti echi di cui risuona e le molte tracce che semina e subito si perdono, Neve, cane, piede, alla fine si rivela una “storia vera”, a suo modo. Ce lo spiega l’autore, nella “Storia di una storia” con la quale in conclusione si è sentito in dovere di illuminare il lettore. E, si direbbe, giustificare anche di fronte a se stesso il fatto di aver immaginato questa favola pacata e feroce.»

"Neve, cane, piede": aggiornamenti

Qualche aggiornamento sulle recensioni apparse di recente sui blog e le riviste.

Sul blog Il giro del mondo attraverso i libri, Neve, cane, piede è tra e letture consigliate per l’estate: « Il romanzo di Morandini è perfetto per essere letto in montagna. Che siano le nostre Alpi, Dolomiti, Appennini o l’Europa, questa lettura che parla di monti e di vita in quota è ideale per chi sceglierà di andare in vacanza tra le montagne, i paesini e i laghi alpini.»

Giulia Rossi sul blog della libreria Libri al Sette di Carugo (Como) consiglia Neve, cane, piede presentandolo così: « Adelmo Farandola è un vecchio montanaro che vive da solo e cerca di evitare qualsiasi contatto con il genere umano. La sua solitudine, però, viene interrotta dall’incontro con un cane, che comincerà a seguirlo. Se all’inizio il vecchio si dimostra ostile con il malandato cane, poi comincerà ad affezionarsi, donandogli anche una personalità e una voce umane. Ma la nuova “normalità” di Adelmo viene sconvolta da una scoperta agghiacciante: dopo un gelido inverno fuori dalla baita del montanaro, il cane scopre un piede…»

Su Sant’Agata Informa, Alberto Visalli parla dell’incontro del 26 giugno 2016 a Sant’Agata di Militello con Domenico Calcaterra.

Rifacendosi ai temi toccati nel corso dell’incontro presso la libreria Vicolo Stretto di Catania, il 27 giugno, Mariangela Di Stefano scrive di Neve, cane, piede sul blog Matte da leggere:

« Adelmo Farandola ha scelto di isolarsi dal mondo, nel suo isolamento, quello che in un certo qual modo lo ha reso folle, ma anche libero, ammette questo cane, che diventa quasi il suo grillo parlante e lo fa con le parole che userebbe un cane. L’uomo ha perso la memoria e il cane diventa la sua memoria, gli ricorda le cose, gli suggerisce cosa è bene fare e cosa non fare. La storia piano piano diventa una favola, ha momenti di luce (pochi), e momenti di buio (diversi). L’istinto di sopravvivenza diventa percepibile pagina dopo pagina.»

Sulla sua pagina facebook, nel rievocare l’incontro del 2 luglio presso la libreria Diari di Bordo di Parma, la libraia Alice Pisu dà una lettura originale della figura di Adelmo e del suo rapporto con la piccola comunità del villaggio a valle:

«Neve cane piede fa riflettere il lettore su come si percepisca il diverso attraverso la realtà di una piccola comunità montana apparentemente inclusiva, basata sul mutuo aiuto ma che qui punta il dito contro il diverso che rappresenta l'anello debole. Un individuo che il lettore non sa se definire folle, forse appare strano perché è una persona che non si conforma alla visione comune del vivere, del rapportarsi agli altri. E tutto questo dovrebbe farci riflettere su come ormai siamo propensi anche da lettori, probabilmente come riflesso del vivere nella società contemporanea, a vedere come diverso chi come Adelmo pur nella sua instabilità psichica non accetta l'omologazione, non vuole allinearsi ai dettami comuni del vivere in una comunità. E forse per questo il lettore non riesce a collocarlo, a incasellarlo e provare empatia, perché si sente continuamente spiazzato da lui, un vecchio così solo e sporco, deriso dalla gente che guarda con sempre maggiore diffidenza e che non capisce. (…) Forse è questo l'aspetto più spiazzante di Neve, cane, piede, il suo punto di forza per certi versi nel creare una reazione, nello scuotere il lettore. Rimarcare attraverso questa figura bizzarra e lontana dalla visione tradizionale del vecchio uomo di montagna, quella linea sottile che traccia il confine tra l'essere vittima, subire le derisioni altrui per quella scelta di vita, e carnefice.»

Sul numero di giugno 2016 di Garda Press, nella rubrica "La Libreria Bacco consiglia…", si legge: «Uno spaccato di vita in solitudine e isolamento. Un amico parlante e un ritrovamento particolare… un giallo? Un meraviglioso romanzo con uno stile narrativo entusiasmante.»

"Neve, cane, piede" a Procida

Neve, cane, piede è nella terna dei finalisti del Premio Procida - Isola di Arturo - Elsa Morante assieme a Il grande animale di Di Fronzo (Nottetempo) e Il cinghiale che uccise Liberty Valance di Meacci (Minimum Fax).

Giuseppe Giglio su "Neve, cane, piede"

Il 21 giugno, l'amico Giuseppe Giglio, sulla sua pagina facebook, si è espresso così a proposito di "Neve, cane, piede":

La neve ghiacciata di una sperduta valle alpina. Un cane petulante e chiacchierone. Il piede di un cadavere che comincia a venir fuori ai primi segnali del disgelo. Eccoli, gli elementi che fanno il titolo di questo nuovo romanzo (tratto da una storia vera: la realtà aiutando a rendere probante l'immaginazione) di Claudio Morandini. Una storia di montagna, certo, ma che si allarga al mondo. Una storia deformante e felicemente surreale: di quella surrealtà tutta landolfiana (e penso soprattutto al Landolfi che amava definirsi un «pagliaccio verbigerante») che illumina tanto vivere, che ne mostra le insufficienze, le inadeguatezze. E così Adelmo Farandola, un vecchio scontroso e solitario, dalla memoria vacillante, diventa il nuovo picaro di questa fiaba che si tinge di giallo, o di nero: dove a preoccupare - una volta chiuso questo godibilissimo e raffinato racconto lungo - non è tanto il morto (un morto che vede e che parla: come i morti di quel fulminante romanzo d'esordio che è "Cade la terra", di Carmen Pellegrino), quanto i vivi. Quelli che appena si intravedono, si scorgono, tra le pagine e i lampi di luce riflessi dagli specchi di neve. E come accade con quella fortissima luce alpina, i vivi di "Neve, cane, piede" lasciano percepire al lettore il loro lato oscuro, quella che Brancati (e torniamo alla luce, alla neve) avrebbe definito la ripresa buia. Leggetela, questa fiaba picaresca. Vi piacerà.

Da Letteratitudine: Alfredo Casella

Si legge assai volentieri “I segreti della giara”, l’autobiografia che Alfredo Casella ha terminato nel 1938 e che opportunamente il Saggiatore ripubblica quest’anno a cura di Cesare De Marchi e con illuminante postfazione di Giovanni Gavazzeni (“Il nostro debito con Alfredo Casella”). Casella, compositore di temperamento, dalla vocazione europeista e modernista, ha in letteratura il gusto delle descrizioni vivide di ambienti e personalità. Certo, il testo soffre qua e là delle intenzioni auto-apologetiche: con quest’opera Casella doveva difendersi dall’ostilità dei rivali, dalle cortigianerie degli invidiosi, e mettere al riparo se stesso e la seconda moglie ebrea dai pericoli di una denuncia – l’anno della stesura è lo stesso delle famigerate leggi razziali – ed è per questo che si sente spinto a sottolineare la propria italianità, l’ispirato cattolicesimo di famiglia, la granitica fedeltà al fascismo – in questo non era insincero –, a esaltare le virtù dell’”Italia Littoria” concedendosi financo qualche antipatica stoccata che oggi ci suona razzista (la “qualità inferiore” dei “metèques” che ingolfano la Parigi del dopoguerra, la “congrega” di “elementi israeliti medieuropei” che influenzano in senso “anti-latino” le scelte delle associazioni internazionali della musica contemporanea).

Ma, si diceva, “I segreti della giara” è un’opera gustosa e illuminante per molti altri versi. Casella suddivide il testo in tre grandi momenti, corrispondenti alle tre città che più hanno contato nella sua formazione. Scorrono così, in ampi quadri fitti di dettagli, la Torino ottocentesca dell’infanzia e degli affetti familiari, città che in controtendenza rispetto al resto d’Italia preserva una solida tradizione strumentale e non pare attratta dal melodramma, a meno che non sia quello di nuovissimo conio e avanzato linguaggio di Wagner; la Parigi a cavallo tra Otto e Novecento, fucina cosmopolita di sperimentazioni artistiche ma anche di memorabili lotte tra “rivoluzionari” e passatisti, guastata da incomprensioni e gelosie logoranti, abitata da geni afflitti sempre, secondo Casella, da vezzi e debolezze – e da Parigi l’apertura verso il resto d’Europa, la Russia, la Germania, l’Inghilterra; infine la Roma del ventennio, in cui il ruolo e la personalità musicale di Casella si definiscono sia pure tra mille invidie.

L’apprendistato di Casella si nutre del confronto con metodi, scuole, culture diverse, praticato con curiosità intellettuale sin dagli anni torinesi e affinato durante il fertile soggiorno parigino: è come se attraverso lo studio del magistero di altri compositori, in apparenza diversissimi se non inconciliabili (Richard Strauss, Mahler, Debussy, i sinfonisti russi, Ravel, Stravinskij, che nella traslitterazione caselliana diventa Strawinski, e tanti altri), il giovane Casella imparasse, oltre al mestiere, anche a definire un suo stile personale (e, attraverso questo stile personale, lo stile di tutta una nazione, visto che l’autore pone se stesso come campione di italianità, sin dalle prime composizioni, sin da quella rapsodia intitolata “Italia” del 1907 che oggi rischia di suonare come un guazzabuglio kitsch e nazionalista di temi popolari e melense canzonette). Curiosamente, Casella non ci dice molto di sé come compositore: non lo vediamo quasi mai al lavoro su determinate composizioni, l’atto creativo non ci viene raccontato, se non per rari e sbrigativi accenni a questioni di orchestrazione o di alternanza di movimenti: le composizioni saltano fuori già fatte, magari irrisolte, ingenue, di precaria tenuta, ma già concluse; piuttosto il compositore ne segue le fortune concertistiche, riporta i giudizi dei colleghi o dei critici sui giornali o il plauso dei frequentatori delle sale da concerto. Ma, in un certo senso, Casella resta riservato, quasi pudico, a differenza, che so, di Stravinskij sempre prodigo di dettagli sulla genesi e lo sviluppo delle proprie idee musicali – eviteremo di cadere nel cliché attribuendo alle sue origini piemontesi questo riserbo. Per Casella, insomma, il racconto della musica è essenzialmente il racconto delle relazioni artistiche, del percorso dell’opera nel mondo, il riscontro del pubblico – la sua dimensione pubblica, insomma.

Nella terza sezione dei “Segreti”, intitolata “Roma (1915-1938)”, si alternano i dettagliati resoconti di tournée in giro per il mondo (Francia, Stati Uniti, Unione Sovietica) in cui Casella si impegna a diffondere composizioni proprie e di altri compositori italiani suoi contemporanei, e le fasi di fervida attività di promozione della musica contemporanea, italiana e internazionale, a Roma e in generale in Italia. Su questo punto è riconosciuto unanimemente da tutti coloro che conobbero Casella l’impegno infaticabile del compositore, sinceramente convinto che solo attraverso uno svecchiamento del linguaggio e il confronto con le correnti più avanzate della musica europea (Da Stravinskij a Schönberg, passando per Bartók e tutti i nomi più importanti) l’ambiente musicale italiano potesse liberarsi dal provincialismo e dal passatismo. In queste pagine dense di informazioni fino alla pedanteria, si sente ancora più chiaramente lo sforzo dell’autore di sbarazzarsi delle facili accuse di anti-italianità che i rivali gelosi gli gettavano addosso dai giornali. Casella che insiste nel far conoscere al pubblico romano o milanese degli anni trenta il “Pierrot lunaire” di Schönberg, “Les Noces” o “Oedipus” di Stravinskij sembra davvero voler fare apostolato di nuovi linguaggi musicali di cui l’Italia, ancora invischiata nel melodramma e nel verismo, aveva un gran bisogno (non era solo in questo il nostro Casella: anche Puccini, come ci viene ricordato, manifestò tale interesse nei confronti delle nuove musiche).

Le testimonianze di chi lo conobbe personalmente in quegli anni, ne fu allievo e fu aiutato da lui lo confermano: Casella era generoso di aiuti con chiunque fosse dotato di ingegno, seppure stilisticamente lontano (in questo senso sono particolarmente significativi gli esempi dei giovani Petrassi e Dallapiccola, soprattutto del secondo, attratto dal serialismo schönberghiano assai più sistematicamente di quanto a suo tempo il giovane Casella fosse stato dall’atonalismo del “Pierrot Lunaire”, che Casella chiama dodecafonia senza che lo fosse).

Per Casella non vi è contraddizione tra il suo impegno a favore delle correnti più avanzate in musica e l’adesione al fascismo; di questo ha voluto cogliere sin dagli inizi il lato più “rivoluzionario”, che sentiva coerente con un’arte a sua volta anticonvenzionale. Nel frattempo, curiosamente, lo stile di Casella andava in tutt’altra direzione: in nome dell’anti-verismo e dell’anti-romanticismo, la vena del compositore, affinandosi e liberandosi dall’ingerenza dell’atonalità e della politonalità praticate da giovane, andava scovando affinità nel repertorio barocco e pre-classico, nelle forme del concerto grosso e della sonata scarlattiana: si semplificava, si squadrava (rientrando così in quella vasta reazione alle vaghezze dell’impressionismo e ai residui del wagnerismo che va sotto il nome di “neo-classicismo”, nome che per la verità non piacque mai a nessuno dei compositori più dotati). Casella si emancipava, inoltre, dal ricorso a materiale folklorico, senza però smettere di alludere, attraverso il ricorso a danze, ninne-nanne e altre forme consimili, a una matrice popolare italiana (come avevano fatto o andavano facendo altrove colleghi ammirati quali De Falla o Bartók). Così, nel definire il suo stile maturo, Casella parla di “naturalezza e semplicità però che sono risultato di dolorose e faticate assimilazioni e rinuncie e non espressioni oppure sfoghi di ingenuità e di dilettantismo” (e “naturalezza e semplicità” sono anche tra gli ingredienti alla base dell’enunciazione di un carattere nazionale, arduo impegno cui si dedica Casella nelle ultime pagine, intitolate, come in una di quelle forme tripartite care al compositore, “Constatazioni, idee e conclusione”).

http://letteratitudine.blog.kataweb.it/2016/06/07/i-segreti-della-giara/