Vorrei tornare su Ivan (l’Ivan di “Soprassotto”, il romanzo di Fabio Ciriachi pubblicato da Palomar nel 2008). Ne ho parlato come di un “maestro” e vorrei precisare come mi pare di poter intendere questo termine in riferimento a lui. Ivan lo è nell’osservazione delle cose, nella percezione del mondo, nello studio attraverso tutti i sensi della complessità (meravigliosa, ma anche dolorosa, comunque straripante) della vita. Insomma, nell’intensità delle sue esperienze sensoriali prima, e nella sua successiva capacità di riflessione. I più giovani (Alessandro, ecc.) mancano di questa apertura sul mondo, ritorti come sono su se stessi; Ivan rivela loro un approccio più attento (più scrupoloso, e insieme più aperto), fatto di manualità, curiosità dei sensi, pazienza dei gesti, ascolto, e in definitiva di quell’atteggiamento che si fonda sulla condivisione (dei propri pensieri, della propria memoria, dei propri piaceri): tutto questo mi suona come una sorta di disegno pedagogico – anzi, no, piuttosto come la manifestazione di una libera, spontanea vocazione pedagogica.
Ad esempio, ad esempio: lo “sballarsi” di Alessandro e dei suoi amici (amici?) è un chiudersi, un rattrappirsi dei corpi, un ammutolirsi dei sensi e della coscienza; le lontane esperienze con le droghe di Ivan erano invece sentite come parte di un progetto di apertura totale della percezione, che invece di oblio produceva un ripopolarsi degli spazi, un acuirsi degli stimoli, un moltiplicarsi delle cose – e sembrava non poter fare a meno della traduzione in parole, le più precise, le più giuste.
lunedì 5 dicembre 2011
Conversando con Fabio Ciriachi, 2
L'attentissima analisi di Fabio Ciriachi (v. il post precedente) mi ha invitato a una riflessione su quanto ho scritto e vado scrivendo. Trascrivo di seguito buona parte della mia risposta alle osservazioni di Fabio.
Il nucleo che lei ha individuato – il tema sotterraneo della solitudine – lo sento mio, da sempre, ma stemperato, per così dire, da connotazioni che mostrino una possibile via di uscita. Provo a rispondere, senza riordinare troppo le idee. In “Rapsodia” (particolarmente nella figura di Dvoinikov) la solitudine diventa isolamento, esilio indotto o volontario: è la reazione alle offese del potere coercitivo, ma anche all’indifferenza del mondo che ha dimenticato in fretta, o che non ha voglia di distinguere, di capire. È una sensazione che, mutate le circostanze, talvolta provo anch’io, a vivere quassù, lontano da tutto, in una quieta e ottundente bambagia. Ripeto, parlo di circostanze infinitamente diverse, quanto a gravità, pericolosità, e anche tragica grandezza, perché Dvoinikov è vissuto in un’epica grandiosa, io in una commediola paesana.
Un altro aspetto derivante dalla solitudine è il desiderio di un legame, anche ideale. Per la verità, io avevo individuato in questo il tema profondo di “Rapsodia” – individuato dopo anni di stesura e riletture e rimuginii, intendo. Tutti in quel romanzo sembrano alla ricerca di una figura autorevole a cui appoggiarsi, di un maestro reale o ideale. Ed è il lato di Ethan che mi intenerisce, e che rende la sua attenzione nei confronti di Dvoinikov qualcosa di molto più vero e intenso del semplice desiderio opportunistico di fare uno scoop musicologico o di fare del bene a un vecchio dimenticato. Credo sia uno dei temi più belli da affrontare in letteratura, la ricerca di un maestro. Anche per questo ho amato il suo “L’eroe del giorno”, che presenta almeno due intense figure di maestro, il padre di Ivan e soprattutto il principale, Sauro, e per questo sto amando “Soprassotto”, che è tutto incentrato su un maestro naturalmente dotato, Ivan – un Ivan sessantenne che ha preservato una dimensione "storica" in un mondo tutto appiattito su un presente semplificato. Parliamo di “maestri” la cui intensità non è priva di una buona dose di difetti, di errori o di approssimazioni, ma che proprio per questo sono modelli vivi, reali. Non sono guru, appunto. Il tema della ricerca di un maestro è così interessante, mi sento di aggiungere, che funziona egregiamente anche quando il maestro è così così, quando rivela debolezze, quando incespica nei suoi errori.
Prescott, dicevo, è alla ricerca di questo maestro, che per lui rappresenta non solo la resistenza alle imposizioni grottesche del potere, ma anche un esempio di dedizione paziente a un’idea superiormente artigianale di arte: Dvoinikov diventerà in realtà maestro, in modo imprevisto per Prescott, nel rivelargli qualcosa di lui, dei suoi rapporti con il mondo, che Prescott ancora non ha scoperto. Gli insegna pazienza e parsimonia – nei mezzi espressivi innanzitutto. Gli istilla dubbi, gli smonta certezze, gli addita tortuosità e contraddizioni, anche a volte con una certa crudeltà. Dal mio punto di vista, si tratta della cosa migliore che possa fare un maestro – è una pratica che, relativizzandoci, ci rende meno soli.
Credo che il tema della solitudine, o dell’isolamento, possa anche essere letto in senso più genericamente filosofico, come il tema della solitudine dell’uomo. Non c’è metafisica, in “Rapsodia”, come non c’è in niente di quello che scrivo – almeno, a me pare che non ci sia, se non per essere smentita. Siamo soli, leopardianamente soli – a questo punto, sempre leopardianamente, non possiamo che rispondere attraverso forme di solidarietà, di aggregazione, che non sono meno importanti per il fatto che spesso si impannano.
Il nucleo che lei ha individuato – il tema sotterraneo della solitudine – lo sento mio, da sempre, ma stemperato, per così dire, da connotazioni che mostrino una possibile via di uscita. Provo a rispondere, senza riordinare troppo le idee. In “Rapsodia” (particolarmente nella figura di Dvoinikov) la solitudine diventa isolamento, esilio indotto o volontario: è la reazione alle offese del potere coercitivo, ma anche all’indifferenza del mondo che ha dimenticato in fretta, o che non ha voglia di distinguere, di capire. È una sensazione che, mutate le circostanze, talvolta provo anch’io, a vivere quassù, lontano da tutto, in una quieta e ottundente bambagia. Ripeto, parlo di circostanze infinitamente diverse, quanto a gravità, pericolosità, e anche tragica grandezza, perché Dvoinikov è vissuto in un’epica grandiosa, io in una commediola paesana.
Un altro aspetto derivante dalla solitudine è il desiderio di un legame, anche ideale. Per la verità, io avevo individuato in questo il tema profondo di “Rapsodia” – individuato dopo anni di stesura e riletture e rimuginii, intendo. Tutti in quel romanzo sembrano alla ricerca di una figura autorevole a cui appoggiarsi, di un maestro reale o ideale. Ed è il lato di Ethan che mi intenerisce, e che rende la sua attenzione nei confronti di Dvoinikov qualcosa di molto più vero e intenso del semplice desiderio opportunistico di fare uno scoop musicologico o di fare del bene a un vecchio dimenticato. Credo sia uno dei temi più belli da affrontare in letteratura, la ricerca di un maestro. Anche per questo ho amato il suo “L’eroe del giorno”, che presenta almeno due intense figure di maestro, il padre di Ivan e soprattutto il principale, Sauro, e per questo sto amando “Soprassotto”, che è tutto incentrato su un maestro naturalmente dotato, Ivan – un Ivan sessantenne che ha preservato una dimensione "storica" in un mondo tutto appiattito su un presente semplificato. Parliamo di “maestri” la cui intensità non è priva di una buona dose di difetti, di errori o di approssimazioni, ma che proprio per questo sono modelli vivi, reali. Non sono guru, appunto. Il tema della ricerca di un maestro è così interessante, mi sento di aggiungere, che funziona egregiamente anche quando il maestro è così così, quando rivela debolezze, quando incespica nei suoi errori.
Prescott, dicevo, è alla ricerca di questo maestro, che per lui rappresenta non solo la resistenza alle imposizioni grottesche del potere, ma anche un esempio di dedizione paziente a un’idea superiormente artigianale di arte: Dvoinikov diventerà in realtà maestro, in modo imprevisto per Prescott, nel rivelargli qualcosa di lui, dei suoi rapporti con il mondo, che Prescott ancora non ha scoperto. Gli insegna pazienza e parsimonia – nei mezzi espressivi innanzitutto. Gli istilla dubbi, gli smonta certezze, gli addita tortuosità e contraddizioni, anche a volte con una certa crudeltà. Dal mio punto di vista, si tratta della cosa migliore che possa fare un maestro – è una pratica che, relativizzandoci, ci rende meno soli.
Credo che il tema della solitudine, o dell’isolamento, possa anche essere letto in senso più genericamente filosofico, come il tema della solitudine dell’uomo. Non c’è metafisica, in “Rapsodia”, come non c’è in niente di quello che scrivo – almeno, a me pare che non ci sia, se non per essere smentita. Siamo soli, leopardianamente soli – a questo punto, sempre leopardianamente, non possiamo che rispondere attraverso forme di solidarietà, di aggregazione, che non sono meno importanti per il fatto che spesso si impannano.
domenica 4 dicembre 2011
"Rapsodia su un solo tema": la lettura di Fabio Ciriachi
Tengo molto a queste osservazioni di Fabio Ciriachi sul mio "Rapsodia su un solo tema". Di Ciriachi, poeta, narratore, recensore (per "la Repubblica", "il Manifesto" e "l'Unità"), ho letto con ammirazione (e una buona dose di emozione) il romanzo "L'eroe del giorno" (Gaffi, 2010); in questi giorni mi sto dedicando, con l'attenzione che merita, alla lettura del suo precedente romanzo, "Soprassotto" (Palomar, 2008).
Caro Claudio,
le dicevo, su fb, di come circa venti giorni fa avessi di colpo percepito il centro nascosto del suo Rapsodia su un solo tema.
Certo, al termine della lettura, diversi mesi or sono, mi erano subito parse evidenti tutte le sue qualità: lingua, montaggio dei vari elementi, personaggi, ritmo. Trama e ordito apparivano inappuntabili e curati, e però, nel piacere (barthesiano) della loro fruizione, non riuscivo a portare a termine quello che da un po' di tempo, per me, costituisce l'ultimo atto del leggere, ovvero la messa a fuoco della filigrana, di quel luogo dove nascostamente abita, mi perdoni il termine, l'anima dell'opera; e anche dove, io lettore, riesco a riflettere in modo più approfondito la mia anima.
Da qualche anno nel leggere i libri perseguo questo fine attraverso una sorta d'indagine che, per le procedure e le interrogazioni con cui si sviluppa, sta a metà strada fra quella poliziesca e la psicologica. Credo, ormai, che un romanzo, o una raccolta di racconti o di poesie contenga sempre, nascoste fra le righe, forme del sé dell'autore la cui intelligenza, per una sorta di patto implicito tra chi legge e chi scrive, non deve essere di immediata percezione. Come a dire che certi livelli di apertura allo sguardo altrui sarebbero frequentabili soltanto da chi ne sente la necessità, quasi che la natura sensibile del mostrarsi, e del vedere, oltre una certa soglia richiedesse, per una decodifica che nel migliore dei casi può anche essere reciproca, una precisa motivazione. Capisco che, detta così, può sembrare che io voglia istituire una sorta di legame elitario fra scrittore e lettore, ma è solo che in realtà, mancandomi gli strumenti propri della critica, mi appoggio ai risultati di questa indagine per soddisfare al meglio quel principio, per me definitivo, secondo cui è il lettore che perfeziona di volta in volta – per quanto in forme diverse, se non addirittura tra loro opposte – il lavoro iniziato dallo scrittore.
Le confesso che inizialmente l'ambito musicale, dove le mie competenze rasentano l'ignoranza, mi era parso un limite invalicabile; ma procedendo nella lettura mi sono presto reso conto che quelle stesse regole di grammatica e di civiltà creative evocate, e non di rado invocate, ora da un personaggio, ora da un altro potevano essere facilmente traducibili in principi generali buoni per ogni campo espressivo e milieu artistico.
Riflettendo a posteriori su quali siano gli elementi di mobilità della sua Rapsodia, potrei ridurre il tutto a un moto di pura conoscenza. Ethan Prescott, musicista di sani e fermi principi, vuole conoscere direttamente il grande e dimenticato compositore Rafail Dvoinikov prima che vecchiaia e morte lo privino della possibilità di interloquire direttamente con lui. A tal fine intraprende molti viaggi e si affida alla inevitabile mediazione di Polina, che gestisce, con una cura che ha del filiale, le molte infermità del vecchio Maestro. Questa pratica di conoscenza, dopo aver disegnato per il lettore inedite cartografie sia in campo musicale che storico-politico (impressionanti le forme inquisitorie del Torquemada di turno, esilaranti certi verbali d'interrogatorio e l'uso maldestro dei sosia) s'interrompe bruscamente per la morte, nel corso di uno di questi viaggi, di Ethan, l'eroe il cui lavoro, per fortuna, viene ripreso e mantenuto vivo da Carl, suo apprensivo compagno di vita. Conoscere costa ed è rischioso: potrebbe essere, allora, una brutale sintesi del tutto, o quello che da molte parti ci si ostina ancora a definire il messaggio? No, certo, anche se è vero che conoscere costa e mette in discussione alcune certezze di partenza (per Ethan soprattutto personali, a causa del perturbante – per lui, omosessuale – incontro con Polina), ma ne rafforza altre (per Ethan tutte relative alla eticità della sua visione musicale), come è altrettanto vero che al processo di conoscenza nessuno spirito vivo può sottrarsi, giacché è un processo che paradossalmente, nel momento in cui sembra espressione della massima libertà, di fatto non lascia scelta.
Ecco, è su questa pluralità di soggetti protagonisti, e nelle forme ora discontinue ora ricorrenti in cui il suo abile montaggio ne organizza l'iter evolutivo (con le sorprendenti, per me, parti in corsivo, prima, e morte di Ethan, poi) che ha indugiato a lungo il mio sguardo “indagatore”, così distratto dalla corposità dei dettagli da non riuscire a immergersi oltre il piano terra della vicenda per gettare all'insieme uno sguardo dal di sotto che consentisse di coglierne, come accennavo prima, la filigrana.
Poi, quando ormai il pensiero attorno a Rapsodia sembrava essersi asciugato del tutto, eccolo, forte della sua natura carsica, zampillare di nuovo in superficie, nel caos di una metro che si affollava fermata dopo fermata, offrendomi la certezza di conclusioni con le quali, fin da subito, non ho potuto fare altro che convenire.
Rapsodia su un solo tema è un libro sulla coscienza della inevitabile solitudine (si spenda pure tutta la lucida severità del pessimismo leopardiano, in questo caso). È un libro, quindi, sulle innumerevoli forme fallimentari con cui gli esseri umani della nostra cultura di appartenenza cercano, senza tuttavia riuscirvi, di ricorrere all'amore per difendersi dalla solitudine.
Devo confessare, e qui parlo come indagatore poliziesco, che a mettermi su questo avviso è stata l'omosessualità di Ethan, dettaglio altrimenti non necessario e che però è servito a inscrivere in una sorta di rigido ordine naturale, quindi non culturale e modificabile, l'impossibilità, per lui, di costruire un legame amoroso con Polina. Fallisce l'amore con Polina, dunque; fallisce l'amore di Ethan per Dvoinikov, messo di fronte alle intraducibili vicende che nel momento stesso in cui fanno luce sulla sua dolorosa vita la rendono al contempo più opaca, e comunque priva di quegli elementi di fascino che, attraverso la musica, avevano spinto Ethan sul cammino, a tratti impervio, della conoscenza diretta col Maestro. Fallisce con la morte (ma era già male in arnese nel suo normale svolgimento per il conflitto tra passione e gelosia) l'amore tra Ethan e Carl. Abbiamo echi del fallimento di un precedente amore di Polina, emergono le dure circostanze che hanno portato al fallimento sia del matrimonio di Dvoinikov sia del conseguente progetto genitoriale conclusosi con la tragica morte della figlia (l'assenza di figli, di eredi, di continuatori, anche in campo musicale, conferma il pessimismo dell'insieme). Fallisce la speranza nel futuro della musica, ben resa dalla visione immaginifica dell'avo di Dvoinikov che fotografa le molte anomalie del presente.
Ma a fronte di tanto pessimismo aleggia – e forse è il risultato vivificante dell'atto di scrivere che sta per una dichiarazione di non resa – un senso di affidabile possibilità, come se comunque, dietro tanti fallimenti premesse un'energia non rinunciataria, una sorta di suggerimento a non demordere nella ricerca dei modi capaci di vincere l'impasse.
Fabio Ciriachi
Fabio Ciriachi mi invita anche a ulteriori confronti; accolgo volentieri il suo suggerimento, e spero che questo scambio (per me assai proficuo, oltre che piacevole) si concretizzi in altri interventi su questo blog.
Per ora, lo ringrazio di cuore.
Caro Claudio,
le dicevo, su fb, di come circa venti giorni fa avessi di colpo percepito il centro nascosto del suo Rapsodia su un solo tema.
Certo, al termine della lettura, diversi mesi or sono, mi erano subito parse evidenti tutte le sue qualità: lingua, montaggio dei vari elementi, personaggi, ritmo. Trama e ordito apparivano inappuntabili e curati, e però, nel piacere (barthesiano) della loro fruizione, non riuscivo a portare a termine quello che da un po' di tempo, per me, costituisce l'ultimo atto del leggere, ovvero la messa a fuoco della filigrana, di quel luogo dove nascostamente abita, mi perdoni il termine, l'anima dell'opera; e anche dove, io lettore, riesco a riflettere in modo più approfondito la mia anima.
Da qualche anno nel leggere i libri perseguo questo fine attraverso una sorta d'indagine che, per le procedure e le interrogazioni con cui si sviluppa, sta a metà strada fra quella poliziesca e la psicologica. Credo, ormai, che un romanzo, o una raccolta di racconti o di poesie contenga sempre, nascoste fra le righe, forme del sé dell'autore la cui intelligenza, per una sorta di patto implicito tra chi legge e chi scrive, non deve essere di immediata percezione. Come a dire che certi livelli di apertura allo sguardo altrui sarebbero frequentabili soltanto da chi ne sente la necessità, quasi che la natura sensibile del mostrarsi, e del vedere, oltre una certa soglia richiedesse, per una decodifica che nel migliore dei casi può anche essere reciproca, una precisa motivazione. Capisco che, detta così, può sembrare che io voglia istituire una sorta di legame elitario fra scrittore e lettore, ma è solo che in realtà, mancandomi gli strumenti propri della critica, mi appoggio ai risultati di questa indagine per soddisfare al meglio quel principio, per me definitivo, secondo cui è il lettore che perfeziona di volta in volta – per quanto in forme diverse, se non addirittura tra loro opposte – il lavoro iniziato dallo scrittore.
Le confesso che inizialmente l'ambito musicale, dove le mie competenze rasentano l'ignoranza, mi era parso un limite invalicabile; ma procedendo nella lettura mi sono presto reso conto che quelle stesse regole di grammatica e di civiltà creative evocate, e non di rado invocate, ora da un personaggio, ora da un altro potevano essere facilmente traducibili in principi generali buoni per ogni campo espressivo e milieu artistico.
Riflettendo a posteriori su quali siano gli elementi di mobilità della sua Rapsodia, potrei ridurre il tutto a un moto di pura conoscenza. Ethan Prescott, musicista di sani e fermi principi, vuole conoscere direttamente il grande e dimenticato compositore Rafail Dvoinikov prima che vecchiaia e morte lo privino della possibilità di interloquire direttamente con lui. A tal fine intraprende molti viaggi e si affida alla inevitabile mediazione di Polina, che gestisce, con una cura che ha del filiale, le molte infermità del vecchio Maestro. Questa pratica di conoscenza, dopo aver disegnato per il lettore inedite cartografie sia in campo musicale che storico-politico (impressionanti le forme inquisitorie del Torquemada di turno, esilaranti certi verbali d'interrogatorio e l'uso maldestro dei sosia) s'interrompe bruscamente per la morte, nel corso di uno di questi viaggi, di Ethan, l'eroe il cui lavoro, per fortuna, viene ripreso e mantenuto vivo da Carl, suo apprensivo compagno di vita. Conoscere costa ed è rischioso: potrebbe essere, allora, una brutale sintesi del tutto, o quello che da molte parti ci si ostina ancora a definire il messaggio? No, certo, anche se è vero che conoscere costa e mette in discussione alcune certezze di partenza (per Ethan soprattutto personali, a causa del perturbante – per lui, omosessuale – incontro con Polina), ma ne rafforza altre (per Ethan tutte relative alla eticità della sua visione musicale), come è altrettanto vero che al processo di conoscenza nessuno spirito vivo può sottrarsi, giacché è un processo che paradossalmente, nel momento in cui sembra espressione della massima libertà, di fatto non lascia scelta.
Ecco, è su questa pluralità di soggetti protagonisti, e nelle forme ora discontinue ora ricorrenti in cui il suo abile montaggio ne organizza l'iter evolutivo (con le sorprendenti, per me, parti in corsivo, prima, e morte di Ethan, poi) che ha indugiato a lungo il mio sguardo “indagatore”, così distratto dalla corposità dei dettagli da non riuscire a immergersi oltre il piano terra della vicenda per gettare all'insieme uno sguardo dal di sotto che consentisse di coglierne, come accennavo prima, la filigrana.
Poi, quando ormai il pensiero attorno a Rapsodia sembrava essersi asciugato del tutto, eccolo, forte della sua natura carsica, zampillare di nuovo in superficie, nel caos di una metro che si affollava fermata dopo fermata, offrendomi la certezza di conclusioni con le quali, fin da subito, non ho potuto fare altro che convenire.
Rapsodia su un solo tema è un libro sulla coscienza della inevitabile solitudine (si spenda pure tutta la lucida severità del pessimismo leopardiano, in questo caso). È un libro, quindi, sulle innumerevoli forme fallimentari con cui gli esseri umani della nostra cultura di appartenenza cercano, senza tuttavia riuscirvi, di ricorrere all'amore per difendersi dalla solitudine.
Devo confessare, e qui parlo come indagatore poliziesco, che a mettermi su questo avviso è stata l'omosessualità di Ethan, dettaglio altrimenti non necessario e che però è servito a inscrivere in una sorta di rigido ordine naturale, quindi non culturale e modificabile, l'impossibilità, per lui, di costruire un legame amoroso con Polina. Fallisce l'amore con Polina, dunque; fallisce l'amore di Ethan per Dvoinikov, messo di fronte alle intraducibili vicende che nel momento stesso in cui fanno luce sulla sua dolorosa vita la rendono al contempo più opaca, e comunque priva di quegli elementi di fascino che, attraverso la musica, avevano spinto Ethan sul cammino, a tratti impervio, della conoscenza diretta col Maestro. Fallisce con la morte (ma era già male in arnese nel suo normale svolgimento per il conflitto tra passione e gelosia) l'amore tra Ethan e Carl. Abbiamo echi del fallimento di un precedente amore di Polina, emergono le dure circostanze che hanno portato al fallimento sia del matrimonio di Dvoinikov sia del conseguente progetto genitoriale conclusosi con la tragica morte della figlia (l'assenza di figli, di eredi, di continuatori, anche in campo musicale, conferma il pessimismo dell'insieme). Fallisce la speranza nel futuro della musica, ben resa dalla visione immaginifica dell'avo di Dvoinikov che fotografa le molte anomalie del presente.
Ma a fronte di tanto pessimismo aleggia – e forse è il risultato vivificante dell'atto di scrivere che sta per una dichiarazione di non resa – un senso di affidabile possibilità, come se comunque, dietro tanti fallimenti premesse un'energia non rinunciataria, una sorta di suggerimento a non demordere nella ricerca dei modi capaci di vincere l'impasse.
Fabio Ciriachi
Fabio Ciriachi mi invita anche a ulteriori confronti; accolgo volentieri il suo suggerimento, e spero che questo scambio (per me assai proficuo, oltre che piacevole) si concretizzi in altri interventi su questo blog.
Per ora, lo ringrazio di cuore.
martedì 22 novembre 2011
"Il sangue del tiranno": la recensione su "Lettera.com"
Compare da oggi sulla rivista letteraria online "Lettera.com", http://www.lettera.com, un'attenta recensione del mio "Il sangue del tiranno" firmata da Roberto Barzi. Ne riporto qui l'inizio e la fine.
Un breve romanzo allegorico, una specie di parabola moderna, un racconto surreale, ma con un substrato di realtà: ecco come si potrebbe definire Il sangue del tiranno di Claudio Morandini. Un testo metaforico, giacché nell'invenzione letteraria appaiono molte delle problematiche relative al sistema scolastico, in particolare a quello d'ambito universitario. E proprio nell'ambiente di una piccola, quanto sconosciuta università di provincia, posta al centro d'Italia, si svolgono i raccapriccianti fatti narrati in questo libro. (...)
Fin qui il romanzo, una creazione letteraria suffragata però da moltissimi fatti concreti: l'invidia che rode il corpo docente con le sue piccole ripicche accademiche, i testi dei ricercatori accatastati in qualche maniera nei sotterranei universitari, le guerre politico-esistenziali degli studenti, i rapporti che intercorrono tra insegnanti, borsisti e ricercatori, la decadenza fisica dei suoi vari istituti e il malessere - reale - del sistema accademico. Questi, purtroppo, sono fatti con i quali devono convivere ogni giorno migliaia di studenti, in un apparato, quello scolastico, che ha raggiunto in Italia aspetti surreali e che rende perciò Il sangue del tiranno assai meno irreale di ciò che non sia in realtà.
Roberto Barzi, su http://www.lettera.com/libro.do?id=7840.
Un breve romanzo allegorico, una specie di parabola moderna, un racconto surreale, ma con un substrato di realtà: ecco come si potrebbe definire Il sangue del tiranno di Claudio Morandini. Un testo metaforico, giacché nell'invenzione letteraria appaiono molte delle problematiche relative al sistema scolastico, in particolare a quello d'ambito universitario. E proprio nell'ambiente di una piccola, quanto sconosciuta università di provincia, posta al centro d'Italia, si svolgono i raccapriccianti fatti narrati in questo libro. (...)
Fin qui il romanzo, una creazione letteraria suffragata però da moltissimi fatti concreti: l'invidia che rode il corpo docente con le sue piccole ripicche accademiche, i testi dei ricercatori accatastati in qualche maniera nei sotterranei universitari, le guerre politico-esistenziali degli studenti, i rapporti che intercorrono tra insegnanti, borsisti e ricercatori, la decadenza fisica dei suoi vari istituti e il malessere - reale - del sistema accademico. Questi, purtroppo, sono fatti con i quali devono convivere ogni giorno migliaia di studenti, in un apparato, quello scolastico, che ha raggiunto in Italia aspetti surreali e che rende perciò Il sangue del tiranno assai meno irreale di ciò che non sia in realtà.
Roberto Barzi, su http://www.lettera.com/libro.do?id=7840.
mercoledì 9 novembre 2011
Da "Letteratitudine": Zanzotto e la musica
Piccolo contributo dell'8 novembre su Zanzotto, apparso su Letteratitudine:
Questa mattina ho finito di vedere con i miei allievi il bel film di Carlo Mazzacurati dedicato ad Andrea Zanzotto. C’è un punto in cui Zanzotto, stimolato da una domanda di Marco Paolini, “parla” di musica (già Franco Marcoaldi nell’introduzione al libretto che accompagna il DVD suggerisce che non di semplice conversazione si tratti, ma, nel caso di Zanzotto, di un “canto”). Non a caso, Zanzotto tocca il tema della musica dopo avere divagato sulla nascita della sua lingua poetica come di un viaggio “molto accidentato”, compiuto attraverso la fantasia, fatto di “incroci” e “impasti” tra il fondo tradizionale, “monocorde, fermo del paese” e “le acquisizioni” tratte dalle esplorazioni letterarie. Anche la musica per Zanzotto è un aprirsi verso un altrove più lontano, un rivelarsi di vite e paesaggi inaspettati.
Racconta ad esempio il poeta del repertorio folklorico ormai dimenticato e scomparso che ancora quand’era giovane era tenuto in vita dai contadini al ritorno dai campi, magari un po’ brilli. “Taran ta… tin tin e tin ton… l’è la figlia del caro papà” cantavano, “con centomila variazioni” proprio sul ritornello del “caro papà”. L’approccio di Zanzotto, nel ricordo, è sicuramente leopardiano (la “sera del dì di festa” è nell’aria), ma anche, verrebbe da dire, bartokiano o kodaliano, nell’attenzione “scientifica” dell’ascolto, nella consapevolezza della ricchezza di quel materiale atemporale e arcaico, e nella volontà di farsi per così dire testimone (attraverso la musica dei versi) di quella ricchezza poi contaminata e perduta.
Altri ricordi rimandano a esperienze ironicamente sentimentali, come le arie d’opera cantate “perfino dai preti… stanchi di preghiere” e litanie, che “si sfogavano” intonando “Che gelida manina” con un certo trasporto per la strada; o come le lezioni di pianoforte (fatte di “Sonatine di Clementi: tan tiritan tan tan”) del maestro Fontebasso, vicino di casa, le quali iniziavano alle cinque del mattino. Aperture sonore verso altri mondi al di là del familiare quadrilatero, e insieme colori familiari di un paesaggio che anno dopo anno si andava formando attorno a lui e dentro di lui.
http://letteratitudine.blog.kataweb.it/2010/06/25/letteratura-musica/
Questa mattina ho finito di vedere con i miei allievi il bel film di Carlo Mazzacurati dedicato ad Andrea Zanzotto. C’è un punto in cui Zanzotto, stimolato da una domanda di Marco Paolini, “parla” di musica (già Franco Marcoaldi nell’introduzione al libretto che accompagna il DVD suggerisce che non di semplice conversazione si tratti, ma, nel caso di Zanzotto, di un “canto”). Non a caso, Zanzotto tocca il tema della musica dopo avere divagato sulla nascita della sua lingua poetica come di un viaggio “molto accidentato”, compiuto attraverso la fantasia, fatto di “incroci” e “impasti” tra il fondo tradizionale, “monocorde, fermo del paese” e “le acquisizioni” tratte dalle esplorazioni letterarie. Anche la musica per Zanzotto è un aprirsi verso un altrove più lontano, un rivelarsi di vite e paesaggi inaspettati.Racconta ad esempio il poeta del repertorio folklorico ormai dimenticato e scomparso che ancora quand’era giovane era tenuto in vita dai contadini al ritorno dai campi, magari un po’ brilli. “Taran ta… tin tin e tin ton… l’è la figlia del caro papà” cantavano, “con centomila variazioni” proprio sul ritornello del “caro papà”. L’approccio di Zanzotto, nel ricordo, è sicuramente leopardiano (la “sera del dì di festa” è nell’aria), ma anche, verrebbe da dire, bartokiano o kodaliano, nell’attenzione “scientifica” dell’ascolto, nella consapevolezza della ricchezza di quel materiale atemporale e arcaico, e nella volontà di farsi per così dire testimone (attraverso la musica dei versi) di quella ricchezza poi contaminata e perduta.
Altri ricordi rimandano a esperienze ironicamente sentimentali, come le arie d’opera cantate “perfino dai preti… stanchi di preghiere” e litanie, che “si sfogavano” intonando “Che gelida manina” con un certo trasporto per la strada; o come le lezioni di pianoforte (fatte di “Sonatine di Clementi: tan tiritan tan tan”) del maestro Fontebasso, vicino di casa, le quali iniziavano alle cinque del mattino. Aperture sonore verso altri mondi al di là del familiare quadrilatero, e insieme colori familiari di un paesaggio che anno dopo anno si andava formando attorno a lui e dentro di lui.
http://letteratitudine.blog.kataweb.it/2010/06/25/letteratura-musica/
venerdì 4 novembre 2011
Letteratura romancia
Grazie all’editore Casagrande di Bellinzona ho conosciuto le opere di alcuni autori in lingua romancia. Il romancio è una lingua di montagna, parlata solo in alcune zone dei Grigioni, la quale nel corso dei secoli si è divaricata in alcune varietà che, per ora, non sembrano aver trovato una sintesi. In Svizzera è una lingua ufficiale, ma è poco parlata, ancor meno scritta; nutrita nell’isolamento dei luoghi alpini, legata alla vita dei contadini e dei pastori, conserva una forte espressività, un’asprezza scorbutica (ma anche una sua visionarietà spiccia) che si trasmettono anche alle traduzioni in italiano.
Scegliere il romancio per fare letteratura e raccontare storie non è diverso dallo scavare nei dialetti più pericolanti per cavarne una nuova lingua poetica. È una scelta di stile che proprio nei limiti di una lingua sa trovare nuovi strumenti espressivi, nella povertà una diversa ricchezza. Mi pare che nei romanzi che ho letto sia proprio la lingua a dettare la forma, sia la grammatica (la fonologia, la sintassi, il lessico) del romancio a costruire l’architettura narrativa.
In “Sez Ner” di Arno Camenisch la vita di un gruppo di uomini costretti a vivere in un alpeggio (il casaro, l’aiuto casaro, il bovaio, il porcaio, più altre figure minori) è raccontata per frammenti che enunciano in un irremovibile presente la ripetitività dei gesti e delle situazioni, il ricorrere dei pensieri e delle fissazioni, e che poco alla volta compongono un mosaico di amara coerenza (la stagione in alpeggio). È la lingua più adatta alla rappresentazione di una vita dura ripetitiva e chiusa, è il borbottio che talora esplode in urlo, più spesso si spegne in silenzio ostinato. Nelle pagine di “Giacumbert Nau” di Leo Tuor (l’anno della traduzione presso Casagrande è il 2008) il frammento si alterna agli spazi bianchi, in un omaggio sconnesso (nervoso e suscettibile, ma anche lirico, a modo suo) al solitario personaggio che dà titolo al libro e che un po’ rappresenta il montanaro dei Grigioni (o l’abitante delle montagne tout court, verrebbe da dire). Il mondo descritto in questi romanzi è duro e chiuso (e questo lo abbiamo detto), bigotto e diffidente (verso gli stranieri, i turisti, i soldati dell’esercito in addestramento, verso ogni forma di eccentricità o originalità); la fatica del vivere ha reso crudeli gli uomini (verso gli altri uomini, verso gli animali, verso se stessi). Siamo lontanissimi dalle tentazioni arcadiche di molta letteratura di montagna.
Ritrovo la figura del solitario di poche parole nel Simon de “Il ritorno” di Oscar Peer, che per la verità è precedente ai due già citati e ormai si è ritagliato un ruolo di piccolo classico romancio del Novecento. “Il ritorno” è un romanzo di fattura più classica, ed è avvicinabile nell’impianto alla migliore narrativa di montagna (a Ramuz, che so). Ma certo l’asciuttezza, la rocciosità del romancio ne innerva le pagine, spazzandone via indugi e lirismi, e riducendo tutto all’essenziale, alle cose, agli aspetti tangibili, alla nudità delle azioni.
(Nota a piè di pagina: in appendice all’edizione italiana di “Sez Ner” è pubblicata una conversazione illuminante tra l’autore, Arno Camenisch, e la traduttrice, Roberta Gado Wiener.)
Scegliere il romancio per fare letteratura e raccontare storie non è diverso dallo scavare nei dialetti più pericolanti per cavarne una nuova lingua poetica. È una scelta di stile che proprio nei limiti di una lingua sa trovare nuovi strumenti espressivi, nella povertà una diversa ricchezza. Mi pare che nei romanzi che ho letto sia proprio la lingua a dettare la forma, sia la grammatica (la fonologia, la sintassi, il lessico) del romancio a costruire l’architettura narrativa.
In “Sez Ner” di Arno Camenisch la vita di un gruppo di uomini costretti a vivere in un alpeggio (il casaro, l’aiuto casaro, il bovaio, il porcaio, più altre figure minori) è raccontata per frammenti che enunciano in un irremovibile presente la ripetitività dei gesti e delle situazioni, il ricorrere dei pensieri e delle fissazioni, e che poco alla volta compongono un mosaico di amara coerenza (la stagione in alpeggio). È la lingua più adatta alla rappresentazione di una vita dura ripetitiva e chiusa, è il borbottio che talora esplode in urlo, più spesso si spegne in silenzio ostinato. Nelle pagine di “Giacumbert Nau” di Leo Tuor (l’anno della traduzione presso Casagrande è il 2008) il frammento si alterna agli spazi bianchi, in un omaggio sconnesso (nervoso e suscettibile, ma anche lirico, a modo suo) al solitario personaggio che dà titolo al libro e che un po’ rappresenta il montanaro dei Grigioni (o l’abitante delle montagne tout court, verrebbe da dire). Il mondo descritto in questi romanzi è duro e chiuso (e questo lo abbiamo detto), bigotto e diffidente (verso gli stranieri, i turisti, i soldati dell’esercito in addestramento, verso ogni forma di eccentricità o originalità); la fatica del vivere ha reso crudeli gli uomini (verso gli altri uomini, verso gli animali, verso se stessi). Siamo lontanissimi dalle tentazioni arcadiche di molta letteratura di montagna.
Ritrovo la figura del solitario di poche parole nel Simon de “Il ritorno” di Oscar Peer, che per la verità è precedente ai due già citati e ormai si è ritagliato un ruolo di piccolo classico romancio del Novecento. “Il ritorno” è un romanzo di fattura più classica, ed è avvicinabile nell’impianto alla migliore narrativa di montagna (a Ramuz, che so). Ma certo l’asciuttezza, la rocciosità del romancio ne innerva le pagine, spazzandone via indugi e lirismi, e riducendo tutto all’essenziale, alle cose, agli aspetti tangibili, alla nudità delle azioni.
(Nota a piè di pagina: in appendice all’edizione italiana di “Sez Ner” è pubblicata una conversazione illuminante tra l’autore, Arno Camenisch, e la traduttrice, Roberta Gado Wiener.)
lunedì 24 ottobre 2011
Su "Verso il lago"
Il racconto “Verso il lago” (ora recuperabile nell’archivio di http://www.cinquecapitoli.it/) è nato come pagina di un romanzo (di “A gran giornate”, o come diamine si intitolerà). Questo romanzo, la cui stesura si è protratta per quattro anni, si prestava, per la sua natura divagante e apparentemente frammentaria, ad accogliere il materiale più disparato, purché ascrivibile al genere “avventuroso”. Non proprio tutto il materiale, però, come ho notato dopo un po’: così “Verso il lago” è rimasto fuori, assieme a poco altro, visto che la situazione che descriveva non si addiceva a nessun personaggio.
Rimasta sola, la paginetta originaria – un bagno avventato in un lago troppo freddo durante una gita in montagna – si è alimentata ben presto di un prima e di un dopo. Si è delineata la figura della vecchia madre malata del protagonista maschile; si sono aggiunte digressioni e dettagli (il prete che sopprime i gattini chiusi nel sacchetto, i girini che si divorano, i sogni) e soprattutto si è definita una generale atmosfera di inquietudine che via via si fa minacciosa. Una situazione soltanto imbarazzante – il bagno nell’acqua gelida, i testicoli che si ritirano – si è trasformata nella stazione principale di una via crucis per niente sacra, molto terragna – la solita, cara deriva verso il peggio, che per ora non mi sono stancato di raccontare.
Rimasta sola, la paginetta originaria – un bagno avventato in un lago troppo freddo durante una gita in montagna – si è alimentata ben presto di un prima e di un dopo. Si è delineata la figura della vecchia madre malata del protagonista maschile; si sono aggiunte digressioni e dettagli (il prete che sopprime i gattini chiusi nel sacchetto, i girini che si divorano, i sogni) e soprattutto si è definita una generale atmosfera di inquietudine che via via si fa minacciosa. Una situazione soltanto imbarazzante – il bagno nell’acqua gelida, i testicoli che si ritirano – si è trasformata nella stazione principale di una via crucis per niente sacra, molto terragna – la solita, cara deriva verso il peggio, che per ora non mi sono stancato di raccontare.
lunedì 17 ottobre 2011
"Verso il lago" su cinquecapitoli.it
Su http://www.cinquecapitoli.it/ compare oggi la prima puntata del mio racconto “Verso il lago”. È stata preceduta nelle scorse settimane dalle belle prove di Ilaria Giannini (“Quanto è lontano il mare”), Andrea Consonni (“Epilettici”), Mauro Evangelisti (“Le foto di Sara”). Il progetto di cinquecapitoli è semplice: in tempi in cui chi lavora riesce a leggere solo nei ritagli di tempo, presentare un racconto per esteso finirebbe per essere inefficace. La redazione, ispirandosi al progetto Fivechapters di David Daley, propone perciò ogni settimana, dal lunedì al venerdì, un racconto diviso in cinque brevi capitoli. Ne vengono piccole pagine concentratissime, pillole di storie che a mio parere finiscono per valorizzare ancora di più i gesti, le azioni anche trascurabili, gli sguardi e le parole di cui è fatto un racconto. Non solo: un buon racconto sopravvive benone alla suddivisione in capitoli minimi, si fa miniromanzo, o meglio rivela proprio una sua natura di miniromanzo.
Il mio “Verso il lago” sembra cercare questa parcellizzazione: è una storia fatta di piccole sequenze, di frammenti alternati, di rimuginii, pensieri improvvisi, atti inaspettati e incomprensibili, tremori e inquietudini, e vi si respira quel senso generale di sospensione esitante e di deriva verso il peggio che altri hanno già notato in quello che scrivo – e che evidentemente non so togliermi di dosso.
Il racconto – l’ho già detto – era già apparso su “Castelli di cultura”, supplemento al n. 1 di “Mélange”, del febbraio 2009, rivista della Biblioteca di Saint-Pierre. Ma per questa nuova occasione è stato rivisto, integrato e rinterzato.
Buona lettura.
http://www.cinquecapitoli.it/
Il mio “Verso il lago” sembra cercare questa parcellizzazione: è una storia fatta di piccole sequenze, di frammenti alternati, di rimuginii, pensieri improvvisi, atti inaspettati e incomprensibili, tremori e inquietudini, e vi si respira quel senso generale di sospensione esitante e di deriva verso il peggio che altri hanno già notato in quello che scrivo – e che evidentemente non so togliermi di dosso.
Il racconto – l’ho già detto – era già apparso su “Castelli di cultura”, supplemento al n. 1 di “Mélange”, del febbraio 2009, rivista della Biblioteca di Saint-Pierre. Ma per questa nuova occasione è stato rivisto, integrato e rinterzato.
Buona lettura.
http://www.cinquecapitoli.it/
lunedì 3 ottobre 2011
"Rapsodia su un solo tema": l'analisi di Marco Codebò, 2
Riporto ancora parte della lucidissima analisi che Marco Codebò dedica al mio "Rapsodia su un solo tema" sulle pagine della rivista "Reti di Dedalus".
"La complessità tematica del romanzo è ripresa da quella strutturale. Rapsodia su un solo tema è un archivio di generi e scritture diverse. Per quanto riguarda i primi, nel romanzo si ritrovano aree riconducibili al saggio, al diario, al racconto storico, al romanzo sentimentale e a quello epistolare. Per le seconde invece, si va dagli appunti alle note a piè di pagina in stile accademico, passando per la scrittura burocratica (i verbali degli interrogatori ai quali è sottoposto Dvoinikov) e quella autobiografica.
La lettura del romanzo di Morandini assomiglia ad una passeggiata in una casa degli specchi. La complessa architettura del testo si regge infatti su una fitta trama di corrispondenze interne. La carriera artistica di Dvoinikov richiama quella di Prescott, la tecnica musicale del compositore russo (basata sull’ironia, la dissimulazione, lo spiazzamento) si rispecchia nel tessuto narrativo e linguistico del romanzo, mentre l’esperienza musicale dei due personaggi chiave è la traduzione in un altro linguaggio di quella letteraria del loro autore; il Settecento, infine, è già il Novecento in nuce e così via.
Valga come esempio di questo gioco di rifrazioni la visione dell’opera d’arte come un tessuto continuo di citazioni. Quest’idea (postmoderno d.o.c.) è implicita nella consapevolezza da parte di Dvoinikov della definitiva “impossibilità di scrivere qualcosa che non sia già stato scritto” (...). Ma il metodo in questione vale soprattutto per lo stesso romanzo di Morandini, che non si finge testo originale ma si presenta appunto come un coacervo di materiali opportunamente riciclati. Nessuna meraviglia quindi che leggendo Rapsodia su un solo tema si finisca per provare un senso di leggera vertigine, come ad inoltrarsi in un paesaggio soggetto ad impercettibile e tuttavia costante mutazione, realizzata però non attraverso la differenza, ma la somiglianza fra i vari luoghi che lo compongono."
La recensione integrale su http://www.retididedalus.it/Archivi/2011/ottobre/LETTURE/4_morandini.htm.
"La complessità tematica del romanzo è ripresa da quella strutturale. Rapsodia su un solo tema è un archivio di generi e scritture diverse. Per quanto riguarda i primi, nel romanzo si ritrovano aree riconducibili al saggio, al diario, al racconto storico, al romanzo sentimentale e a quello epistolare. Per le seconde invece, si va dagli appunti alle note a piè di pagina in stile accademico, passando per la scrittura burocratica (i verbali degli interrogatori ai quali è sottoposto Dvoinikov) e quella autobiografica.
La lettura del romanzo di Morandini assomiglia ad una passeggiata in una casa degli specchi. La complessa architettura del testo si regge infatti su una fitta trama di corrispondenze interne. La carriera artistica di Dvoinikov richiama quella di Prescott, la tecnica musicale del compositore russo (basata sull’ironia, la dissimulazione, lo spiazzamento) si rispecchia nel tessuto narrativo e linguistico del romanzo, mentre l’esperienza musicale dei due personaggi chiave è la traduzione in un altro linguaggio di quella letteraria del loro autore; il Settecento, infine, è già il Novecento in nuce e così via.
Valga come esempio di questo gioco di rifrazioni la visione dell’opera d’arte come un tessuto continuo di citazioni. Quest’idea (postmoderno d.o.c.) è implicita nella consapevolezza da parte di Dvoinikov della definitiva “impossibilità di scrivere qualcosa che non sia già stato scritto” (...). Ma il metodo in questione vale soprattutto per lo stesso romanzo di Morandini, che non si finge testo originale ma si presenta appunto come un coacervo di materiali opportunamente riciclati. Nessuna meraviglia quindi che leggendo Rapsodia su un solo tema si finisca per provare un senso di leggera vertigine, come ad inoltrarsi in un paesaggio soggetto ad impercettibile e tuttavia costante mutazione, realizzata però non attraverso la differenza, ma la somiglianza fra i vari luoghi che lo compongono."
La recensione integrale su http://www.retididedalus.it/Archivi/2011/ottobre/LETTURE/4_morandini.htm.
sabato 1 ottobre 2011
"Rapsodia su un solo tema": l'analisi di Marco Codebò
Su "Reti di Dedalus", la bella rivista online del Sindacato Nazionale Scrittori, Marco Codebò (docente universitario negli Stati Uniti e autore tra l'altro degli eccellenti romanzi "Via dei Serragli" e "Appuntamento", pubblicati entrambi da Manni) dedica un'analisi finissima al mio "Rapsodia su un solo tema". Codebò individua tre livelli nel romanzo: il primo, più evidente, è quello della narrazione delle vicende personali dei due protagonisti; il secondo livello sta nella dimensione saggistica e musicologica; il terzo riguarda la riflessione del rapporto tra arte e potere.
A proposito di quest'ultimo, Marco Codebò scrive: "Qui la dimensione narrativa torna a dominare la scena così da recuperare quella saggistica e rivestirne lo scheletro con la carne dei personaggi e delle loro storie. Sono infatti le vicende personali di Rafail Dvoinikov e Ethan Prescott a guidare il lettore in una doppia indagine che si appunta prima sulla relazione fra avanguardie artistiche e potere politico nell’Unione Sovietica e in seguito si sposta su quella fra arte e mercato nelle società capitalistiche. Se il parallelo fra le due esperienze è sconvolgente ‒ accanto ad un Rafail Dvoinikov che compone un Poema a Stalin viene a trovarsi un Ethan Prescott autore del Te Deum pro the Desert Storm ‒ le conclusioni appaiono inquietanti: “Mette i brividi pensarlo ‒ fa sentire di colpo meno liberi sapere che il mondo del libero mercato vuole da noi, sia pure attraverso metodi assai meno inquisitori delle censure e delle purghe sovietiche, i medesimi risultati: ottimismo, sentimento, afflato eroico, marcette e valzer” (p. 182). Discutere dell’artista e del principe, sia quest’ultimo un despota o un tycoon, rappresenta in ultima analisi la preoccupazione principale del testo (senz’altro l’autentico tema del romanzo, in ciò monotematico come la composizione da cui prende il titolo).
Non a caso al problema viene dedicato un apposito e delizioso inserto, il “Viaggio musicale nel ventesimo secolo”, un pamphlet settecentesco opera di un presunto antenato di Dvoinikov. Le riflessioni contenute nel “Viaggio musicale” hanno il merito di situare la questione della (in)dipendenza dell’artista nel contesto del suo primo storico manifestarsi durante la Modernità, al tempo del crollo dell’Ancien Régime e del sorgere dell’egemonia borghese."
Non mi resta che ringraziare di cuore Marco Codebò e invitarvi alla lettura della recensione integrale alla pagina http://www.retididedalus.it/Archivi/2011/ottobre/LETTURE/4_morandini.htm.
A proposito di quest'ultimo, Marco Codebò scrive: "Qui la dimensione narrativa torna a dominare la scena così da recuperare quella saggistica e rivestirne lo scheletro con la carne dei personaggi e delle loro storie. Sono infatti le vicende personali di Rafail Dvoinikov e Ethan Prescott a guidare il lettore in una doppia indagine che si appunta prima sulla relazione fra avanguardie artistiche e potere politico nell’Unione Sovietica e in seguito si sposta su quella fra arte e mercato nelle società capitalistiche. Se il parallelo fra le due esperienze è sconvolgente ‒ accanto ad un Rafail Dvoinikov che compone un Poema a Stalin viene a trovarsi un Ethan Prescott autore del Te Deum pro the Desert Storm ‒ le conclusioni appaiono inquietanti: “Mette i brividi pensarlo ‒ fa sentire di colpo meno liberi sapere che il mondo del libero mercato vuole da noi, sia pure attraverso metodi assai meno inquisitori delle censure e delle purghe sovietiche, i medesimi risultati: ottimismo, sentimento, afflato eroico, marcette e valzer” (p. 182). Discutere dell’artista e del principe, sia quest’ultimo un despota o un tycoon, rappresenta in ultima analisi la preoccupazione principale del testo (senz’altro l’autentico tema del romanzo, in ciò monotematico come la composizione da cui prende il titolo).
Non a caso al problema viene dedicato un apposito e delizioso inserto, il “Viaggio musicale nel ventesimo secolo”, un pamphlet settecentesco opera di un presunto antenato di Dvoinikov. Le riflessioni contenute nel “Viaggio musicale” hanno il merito di situare la questione della (in)dipendenza dell’artista nel contesto del suo primo storico manifestarsi durante la Modernità, al tempo del crollo dell’Ancien Régime e del sorgere dell’egemonia borghese."
Non mi resta che ringraziare di cuore Marco Codebò e invitarvi alla lettura della recensione integrale alla pagina http://www.retididedalus.it/Archivi/2011/ottobre/LETTURE/4_morandini.htm.
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